3 Wege, um Storyboards zu zeichnen

Storyboards erstellen ist eine großartige Möglichkeit, um Ihren Film herauszufinden und für jede Szene eine klare Vision zu schaffen, und es ist wirklich leicht, mit dem Einstieg zu beginnen! Wir haben einen Leitfaden zusammengestellt, um durch alles zu gehen, was Sie wissen müssen, wie Sie Ihre eigenen Storyboards wie einen Fachmann zeichnen müssen. Informieren Sie uns über die folgenden Schritte, um zu erfahren, wie Sie eine Storyboard-Vorlage erstellen, mit interessanten Aufnahmen kommen und Ihre Storyboards mit Zeichnungen, Dialogs und wichtigen Noten füllen, die Sie haben.

Schritte

Methode 1 von 3:

Storyboarding eine Szene

1. Füllen Sie Ihr Skript aus, bevor Sie mit den Storyboards anfangen. Wenn das Skript eine Vorlage ist, wie ein Film klingt, ist ein Storyboard die Vorlage, wie sie aussehen. Storyboards sind, wie Sie sich visualisieren, wie Akteure, Requisiten, Hintergründe und Kamerawinkel in einer bestimmten Szene oder in einer bestimmten Szene oder Sequenz von Aufnahmen passen. Es ist Ihre Chance, den Film visuell vor teuerer Kameras, Schauspieler, Schauspieler und Crews zu erkennen, warten auf Set.

Das heißt, einer der Aufträge eines Storyboarders soll das Skript annehmen und dabei verbessern, indem Sie Visuals hinzufügen. Sie müssen den vollen Bogen der Geschichte kennen, bevor Sie anfangen.

Bild mit dem Titel Zeichnen Storyboards Schritt 2

2. Zeichnen Sie Quadrate für jede Szene, hinterlassen Sie den Raum für den Dialog darunter. Sobald Sie Ihr Skript geschrieben haben und eine Vorstellung davon haben, was in Ihrem Film passieren wird, holen Sie sich ein Papier- oder Poster-Board, um Ihr Storyboard anzusetzen. Wie ein Comicstreifen repräsentiert jedes Quadrat ein Schuss oder eine Szene und der Raum darunter ist dort, wo Sie den Dialog, Notizen oder Aktionen ausfüllen.

Während Sie Ihre eigenen Boards ziehen können, gibt es viele kostenlose Vorlagen, die Sie ausdrucken können, um sofort zu skizzieren.

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3. Etablieren Sie den Ort und alle wichtigen Objekte in Ihrer ersten Box der Szene. Die wichtigste Funktion des Storyboards besteht darin, zu zeigen, wie der Schuss aussehen wird. Für Ihren ersten Vorstand möchten Sie alle wesentlichen Details, damit die Leute lesen, wo sie wissen, wo sie sind. Wenn Sie sich fragen, was Sie aufnehmen möchten, stellen Sie immer die Frage: "ist dies wesentlich, um die Szene zu verstehen?"

Jederzeit, wenn Sie Standorte ändern, müssen Sie einen neuen Hintergrund zeichnen. Denken Sie daran, dass Sie die Geschichte visuell erzählen. Versuchen Sie sich vorzustellen, was Sie sehen müssen, ob dies ein Film wäre.

Wenn sich der Hintergrund nicht zwischen Aufnahmen ändert, können Sie ihn leer lassen und sich auf die Aktion konzentrieren.

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4. Verwenden Sie Pfeile und Notizen, um Bewegungen oder Änderungen anzuzeigen. Wenn Sie beispielsweise einen Charakter, um einen anderen zu schlagen möchten, müssen Sie nicht fünf Rahmen seiner Faust ziehen, die sich langsam in Richtung eines Gesichts bewegt. Ziehen Sie stattdessen einen Rahmen der Faust mit einem Pfeil, der die Bewegung angibt.

Sie können auch Pfeile verwenden, um Kamerabewegungen anzuzeigen, wie z. B. Pfündern oder Neigungen.

5. Füllen Sie den Dialog des Szenens aus und klingt unter der Zeichnung. Denken Sie daran, Sie machen im Wesentlichen eine Comic-Buchversion des Films, sodass Sie auch wesentliche Soundeffekte hinzufügen sollten. Machen Sie sich keine Sorgen, wenn es nicht alles passt - Sie geben dem Regisseur nur Markern und Crew darüber, wo der Klang abgestimmt ist, sodass Ellipsen ("...") kann helfen.

6. Machen Sie einen neuen Rahmen für jede signifikante Aktion oder Kamerabewegung. Wann immer etwas passiert, braucht es eine eigene Box. Wenn Sie ein Gespräch herausziehen, möchten Sie von einem Zeichen in ein anderes wechseln, während sie sprechen, sowie einige Aufnahmen von beiden gleichzeitig. Sie müssen jede dieser Schichten einzeln zeichnen.

Sie können nicht einfach 1-2 Boxen ziehen und sagen "alternative Schüsse" für ein Gespräch. Stellen Sie sich eine Szene vor, in der eine Mutter wütend auf ihrem Sohn ist, weil Sie eine Lampe brechen. Das Ganze vom traurigen oder erschrockenen Sohn zeigt eine ganz andere Szene, die die wütende Mutter die ganze Zeit zeigt, und zurückzurechnen oder die kaputte Lampe zu zeigen.

7. Füllen Sie wesentliche Hinweise zu Bewegung, Sounds oder Spezialeffekte aus. Wenn eine Szene ein wenig gefälschtes Blut erfordert, dann nennen Sie es entweder mit einem roten Stift oder verzichten Sie darauf. Wenn der Schuss einen langen, kontinuierlichen Nehmen erfordert, verwenden Sie die Pfeile, um anzuzeigen, wie alles zusammen fließt. Es gibt zwar ordnungsgemäße Bedingungen für das alles, das Wichtigste ist das Wichtigste, dass Sie die Geschichte visuell sagen, dass Sie jedoch können. Wenn es sinnvoll ist, als einen Leitfaden zum Filmen zu filmen, legen Sie es ein.

Wenn die Kamera nicht schneidet, aber viele Dinge passieren, können Sie mehrere Boxen für eins verwenden "Schnitt." Wann immer etwas passiert, benötigen Sie eine neue Box, auch wenn sich die Kamera nicht bewegt.

Methode 2 von 3:

Verbesserung Ihrer Storyboards

1. Finden Sie Möglichkeiten, die Themen des Skripts visuell auszudrücken. Lass das Skript nicht "für sich selbst sprechen-" Die besten Filme sind thematisch auf allen Ebenen verbunden: Schreiben, Storyboarding, Soundeffekte, Handeln usw. Es ist Ihre Aufgabe, ein gutes Skript zu machen und in tolle Visuals zu verwandeln. Jede Szene, fragen Sie sich, was das Ziel der Szene ist, was ist die Stimmung oder Ton, und was die wichtigsten Requisiten, Charaktere oder Momente sind. Wie können Sie auf diese Dinge aufmerksam machen??

Finden Sie das entscheidende Element der Szene und finden Sie einen Weg, um die Aufmerksamkeit des Publikums in jedem Schuss aufmerksam zu ziehen, wodurch es größer ist, um ihn zu zentrieren, hineinzoomen usw.
Gen Wilder war kein Storyboarder, dachte aber wie ein visueller Komiker. Im Willy Wonka, der berühmte Intro, wo er "versehentlich" Trips, Falls und Rolls, auf Rauhapplauten, wurde von ihm erstellt, um Wonka als Spaß, seltsame und hinter einer Comic-Fassade zu verstecken.

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2. Vermeiden Sie flache, zweidimensionale Zusammensetzungen, indem Sie die Kamera immer winkeln. Was Sie nicht wollen, ist ein völlig flacher Boden, wo sich die Kamera in einem rechten Winkel zum Boden befindet. Das Kippen des Schusss verleiht Ihrem Story-drei Dimensionen etwas, auch wenn es nur eine leichte Verschiebung ist. Direkt auf Schüsse sind fast nie so aufregend wie dynamische, 3D-Kompositionen.

Verwenden Sie den Vordergrund und den Hintergrund auch zu Ihrem Vorteil - legen Sie nicht jeden Charakter oder in die gleiche Tiefenlinie ein.

Vergessen Sie nicht den weit entfernten Hintergrund, entweder - es ist ein guter Ort, um Tiefe zu schaffen.

Natürlich gibt es viele Gründe, diese Regel zu brechen, z. B. einen vollkommen symmetrischen Schuss. Wissen Sie einfach, warum Sie die Regel brechen, bevor Sie es tun.

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3. Bieten Sie Motivation, die Kamera zu schneiden, anstatt den Schuss zu ändern. Normalerweise ist dies offensichtlich - wenn ein anderer Charakter spricht, müssen Sie es schneiden, um sie zu zeigen. Wenn jemand ein Geräusch hinter ihnen hört, schneiden Sie an den Ort, von dem der Geräusch kam. Alle guten Schnitte müssen einen Grund haben, aufzukommen - ob es sich um die Handlung, Charaktere, die Aufmerksamkeit oder eine rein künstlerische Wahl handelt.

Eine der berühmtesten Kürzungen ist immer in 2001: ein Weltraum-Odyssee, Wo der Regisseur Stanley Kubrick von einer fliegenden Waffe zu einem Satelliten in den Weltraum schneidet. In einem Schnitt brückt er die Lücke zwischen primitivem Mann und zukünftiger Mann ein, während er, obwohl sich das wenig geändert hat, aber die Einstellung hat.

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4. Verwenden Sie den Winkel einer Kamera, um Zeichenbeziehungen und Gefühle anzuzeigen. Der Winkel Ihres Schusses erzählt dem Publikum, wie Sie sich über die Charaktere oder Szenen fühlen. Sie können diese Tatsache auf endlose Weise nutzen und sollten sich immer fragen, wie Ihr Kamerawinkel den Punkt des Schusses hilft oder behindert. Beispielsweise:

Blick auf einen Charakter, macht sie schwach, ängstlich oder machtlos. Wenn Sie aufsehen, scheint jemand mächtig, zuversichtlich und dominant zu sein.

Extreme Winkel wie sehr hoch, sehr niedrig, oder mit Titel Shots zeigen Verwirrung, Angst, Angst oder und außerhalb des Wanderns wie eine Drogenreise.

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5. Versuchen Sie, die Szene als Prosa herauszuschreiben, wenn Sie zu Beginn kämpfen. Sitzen und Starten der Szene, um schwierige Entscheidungen wie Kamerawinkel und Zusammensetzung zu treffen, ist schwer, wenn Sie nicht sicher sind, welche Richtung Sie die Dinge nehmen möchten. Ein guter Zwischenschritt besteht darin, die Szene wie eine Kurzgeschichte auszuschreiben. Welche Teile öffnen sich als wichtig, welchen Details stecken Sie, wie Sie schreiben, und was sind die wichtigsten Aktionen in jedem Schuss?? Sie können dieses Mini-Skript dann als Übungslauf bearbeiten, bevor Sie zeichnen.

Halten Sie sich an nur 1-2 Beschreibungen für jeden Schuss oder jede Szene. Sie schreiben keinen Roman, Sie schreiben einen Führer.

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Kinematographie studieren. Storyboards sind im Wesentlichen auf Schüsse eines Films. Als solches Ziel ist es, die Boards zu verwenden, um tatsächliche Lichter, Kameras und Sets, um den Schuss zu ahmen. Tauchen tief in Aufnahmearten, Farbzusammensetzung, Kamerawinkel und mehr werden Ihr Toolkit als Story Board Creator erheblich erhöhen.

Das Zeichnen eines Storyboards ist billig, aber das Schießen ist nicht. Wenn Sie an einem größeren Film arbeiten, müssen Sie die grobe Schwierigkeit von Aufnahmen kennen, um zu wissen, ob sie machbar sind. Way High-Up-Schüsse können erstaunlich aussehen und dem Film passen, aber der Hubschrauberfilm ist sehr teuer!

Methode 3 von 3:

Storyboarding wie ein Profi

1. Lernen Sie die Terminologie der gemeinsamen Kameraswinkel. Verlassen Sie sich nicht einfach auf Zeichnung, um Ihren Standpunkt zu erhalten - die Filmwelt ist voll von Vokabeln, das Ihren Job erleichtert, und Ihre Storyboards genauer. Das Schreiben von Kamerawinkeln hilft, Kamera-Crews schnell zu sehen, welchen Aufnahmen sie vorbereiten müssen, und lassen Sie sich sehen, ob Sie mit Ihrer Schusswahl versehentlich wiederholt werden.

Aufbau von Schüssen: Schnellschüsse, die das Set, den Ort, den Standort oder die Startposition der Zeichen veranschaulichen.
Voll, mittel, nah, extrem schließen: Wenn Sie einen Charakter zeigen, wie viel zeigen Sie? Full (FS) zeigt den ganzen Körper, das Medium (MS) zeigt Taille oben, schließen (Cu) zeigt Schultern und Kopf, und extreme Nahaufnahme (ECU) -Schuhe nur.
Aufnahme / Abschuss: Up-Schüsse schauen an einem Charakter auf, während Down-Aufnahmen von oben aussehen. "Wurmauge" und "Vogelaugen" sind die extremen Versionen von jedem.
Über der Schulter (OTS): Eine Ihrer wichtigsten Begriffe, diese Aufnahmen haben eine Person oder eine Sache auf der Seite des Rahmens, Rücken, drehte sich, während Sie einen anderen betrachten. Sehr häufig in Gesprächen zwischen zwei Personen.
Zwei-Shot: Wenn beide Zeichen, die normalerweise miteinander sprechen, sind beide im Rahmen gleichzeitig. Beim Zeichnen des Dialogs wechseln sich zwei Schüsse oft mit OTS-Schüssen ab.
POV-Schüsse Sind einfach, wenn die Kamera den Sichtpunkt eines Charakters nachahmt.

2. Machen Sie sich mit Kameragemotionen vertraut, um sich bewegende oder wechselnde Aufnahmen zu veranschaulichen. Die folgende Liste ist keineswegs erschöpfend, aber es ist ein guter Grundierer beim Schreiben kohärenter Storyboards. Wenn Sie eins hinzufügen möchten, schreiben Sie die eigentliche Kamerabewegung auf das Storyboard.

Verfolgung ist, wenn die Kamera der Aktion folgt, ohne zu schneiden, wie folgt, als er jemanden wie die Straße hinuntergeht. Verwenden Sie Pfeile, um die Bewegung und mehrere Frames anzuzeigen, falls erforderlich.

Pfannen sind, wenn sich die Kamera einfach in eine Richtung dreht, oft nach einem Charakter, wenn sie sich bewegen oder etwas in der Nähe freilegen. Zeichnen Sie einen Pfeil, der die Richtung der Kamera darstellt.

Lastwagen sind, wenn sich die Kamera körperlich in oder raus bewegt. Stellen Sie sich einen Schuss eines Fernsehgeräts vor, dann die Kamera langsam "Trucking" zurück, um eine Familie aufzudecken, die den Fernseher im Wohnzimmer beobachtet. Verwenden Sie 4 Zeilen, zeigen Sie von der Mitte des Bildschirms in die Ecken, um das Lastwagen zu zeigen.

Rackfokus ist, wenn Sie ein verschwommenes Objekt im Hintergrund und ein klares Objekt im Vordergrund haben, dann verschiebt sich der Fokus von einem zum anderen (es kann auch umgekehrt werden). Zeichnen Sie eine Zeile, die angibt, an der der Fokus beginnt und wo er sich bewegt.

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3. Machen Sie geeignete Noten von Übergängen zwischen Schüssen. Die folgenden Schnitte sind einige der am häufigsten im Film und müssen in Ihrem Storyboard festgestellt werden. Jeder benötigt eine kleine Zeichnung neben den Wörtern, die den Übergang visuell darstellt. Beginnen Sie mit einem kleinen Rechteck und repräsentieren Sie den Bildschirm, direkt vor dem Dialog, füllen Sie dieses Rechteck mit Ihrem Übergang aus:

Einblenden ausblenden: Dies ist einfach, wenn das Bild erscheint oder langsam von einem leeren Bildschirm verschwindet. Zeichnen Sie ein Dreieck, das links zeigt. Zeichnen Sie ein Dreieck, das rechts zeigt.

Kreuz auflösen: Wenn ein Bild langsam in den nächsten verblasst ist. Um es zu zeichnen, machen Sie zwei schneidende Dreiecke in der Box, beginnend mit allen vier Ecken. Es ist das Ausblenden und verblassen in Zeichnungen, die einander überlagert sind.

Wischen: Wenn ein Bild physisch über den Bildschirm bewegt wird, enthüllen Sie den nächsten Schuss darunter. Zeichnen Sie einfach eine vertikale Linie in der Mitte des Rechtecks, und einen Pfeil, der über ihn ausgeführt wird, um anzuzeigen, wie das erste Bild sich bewegt.

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4. Erinnern Sie sich an grundlegende Blockieranweisungen, um die Szene und Akteure festzulegen. Die folgenden Begriffe beziehen sich auf den Ort eines Objekts im Schuss. Es kann auch helfen, Bewegung zu leiten, beispielsweise wenn ein Charakter von der Rückseite des Schusss nach vorne spaziert, was als ausgedrückt werden könnte "BG → FG."

Vordergrund (FG): Der Bereich schließt bis zur Kamera.

Midground (mg): Die Mitte des Rahmens

Hintergrund (BG): Die sind am weitesten von der Kamera entfernt.

Off-Screen (O / S): Hilfreich, wenn es ein Geräusch, Dialog usw. gibt. dass die Zuschauer nicht sehen können, oder wenn ein Zeichen den Rahmen vollständig eindringt oder verlässt.

Überlagerung (ol): Wenn ein Objekt oder ein Bild an einem anderen überlagert ist, aber beide sind sichtbar.

5. Beschriften Sie Ihre Schüsse richtig, damit der Rest der Crew sie lesen kann. Im Allgemeinen ein "Szene" Auf einem Storyboard bezieht sich tatsächlich auf eine ununterbrochene Kameramerbewegung, keine vollständige Veranstaltung. Diese Szenen werden zusammen hinzugefügt, um a zu bilden "Reihenfolge," Welches ist die gesamte Aktion, das Gespräch, dass Sie porträtieren (was Sie normalerweise a anrufen "Szene").

Immer wenn die Kamera schneidet, müssen Sie die Szenennummer ändern, um einen neuen Schuss anzuzeigen.

Wenn eine einzelne Szene mehrere Aktionen erfordert, alle, ohne die Kamera zu wechseln, sind sie als markiert Paneele. Wenn ein Schuss drei Storyboards erfordert, kennzeichnen Sie jedes Panel als 1/3, 2/3 und 3/3.

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6. Ziel für Klarheit, nicht perfekte Symbole oder Vokabs, wenn Sie verwirrt sind. Das ultimative Ziel eines Storyboards besteht darin, dem Film visuell mitzuteilen, dass kein Vokabeltest bestehen wird. Während Sie sich immer bemühen sollten, die Terminologie zu lernen, möchten Sie, dass die Storyboards leicht von Direktoren, Kinematographen und den Rest der Crew gelesen werden. Wenn Sie eine Idee haben, aber nicht wissen, wie Sie es ausdrücken können, verwenden Sie Ihre Zeichnungsfähigkeiten, um den Punkt so einfach wie möglich zu vermitteln. Pfeile, Notizen und mehrere Panels sollten alle verwendet werden, um Ihre kreativen Ideen zu teilen, wenn Wörter nicht ausreichen.

Stellen Sie sich einen langen, singulären Schuss wie der Anfang von vor Wilder Stier. Während es keinen Schnitt gibt, könnten Sie den Schuss niemals in nur einem Panel enthalten. Sie müssen viele Panels zusammen mit Pfeilen, Notizen und Dialog strecken, um den Schuss zu planen.

Die oben oben genannten Vokabs sind weit entfernt - es gibt Hunderte von Wörtern, Aufnahmen und Cues, ein Pro-Storyboarder. Um ein Fachmann zu sein, sollten Sie weiterhin professionelle Begriffe erforschen.

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Tipps

Wenn es hilft, können Sie ein Stück Papier in 6 Quadrate falten, um Ihre Szenen einfach zu richten oder eine kostenlose Storyboard-Vorlage aus dem Internet herunterzuladen.

Die Storyboarding-Software hat oft eine Datenbank, mit der Sie Skriptinformationen, Requisiten, Orte, Kameradrichtungen usw. behalten können.

Behalten Sie Ihr Publikum, während Sie Storyboarding sind. Denken Sie darüber nach, dass sie sehen wollen, nicht, was Sie zeichnen möchten.

Sie müssen nicht jeden Rahmen perfekt zeichnen - eine grobe Skizze ist total in Ordnung.